Propuesta artística que se llevara acabo durante el periodo de residencia en No Lugar a cargo de Joaquín Wall y Gabriel Gabriel.

“Lo que se va en fuego se ofrenda al Sol y a las Estrellas”

Bautizados bajo los nombres de Joaquín y Gabriel, dos artistas argentinos viajamos por el mundo deseosos de “hacer”. Vinculados desde el nacimiento con el arte del creador, nos manifestamos. El mundo que nos rodea nos alienta a experimentar y gritar en alto que creemos en la vida y en todo lo que ella contiene. Nuestro origen es latinoamericano, somos hijos de argentinos y nietos del mundo.

En los últimos años, el enfoque de nuestra obra ha tomado un curso existencialista: el cosmos está en nosotros. Nos sumergimos en la vinculación del ser humano con el planeta, las estrellas, los rayos de luz y hasta la oscuridad misma. El sincronismo de un ser con otro  igual, de otra especie o distinta materia. La relación que existe entre la magia del creador, el mundo de la naturaleza y el existir humano.

Entregados a esta visión, emprendimos un viaje por América, con el objetivo de visitar infinidad de ciudades y pueblos, con la intención de vincularnos y comunicarnos con la naturaleza, las personas y la fuerza suprema. A lo largo del viaje, hemos ahondado en la exploración del mundo del rituales, como una forma de comunicación con la energía motora que da vida a toda manifestación del cosmos: aves, viento, células y porque no, seres interdimensionales. Adaptar el arte al ritual nos vincula. Dejamos de ser creadores de una obra material, para asistir al hermoso camino del arte multidimensional.

El canto de un chaman hacia las aves no se ve, se escucha, se percibe y se manifiesta en el existir. En cada onda vibratoria, el chaman pone intención y dirección. Hay un deseo y un medio que lo contiene (su existir). Nadie puede ser indiferente a la brisa que corre, o al canto de un ave; existe un sincronismo presente en todos los seres que convivimos en este universo. Así, si el sol transita un período de grandes explosiones, no seremos indiferentes, aún incluso cuando nadie “nos comunique” lo sucedido. Lo percibiremos con nuestros sentidos. Así como nuestras células se encuentran sincronizadas unas con otras para funcionar en comunión, de igual forma funciona el universo.

Arribando en Quito, Ecuador, y en contacto y colaboración con la Plataforma de Arte Contemporáneo No Lugar, decidimos llevar a cabo un nuevo ritual / performance que titularemos “Lo que se va en fuego se ofrenda al Sol y a las Estrellas” en ofrenda al creador y a todas sus manifestaciones. Residiendo durante 15 días en la Plataforma, nos enfocaremos en vivir en constante ritual y contacto con la creación, creando, instalando, colaborando e invocando. Todo lo producido durante este período, es decir, la obra en su totalidad, será instalada en la galería, para en su inauguración ser quemada y ofrendada a las estrellas, al sol y la totalidad del cosmos. El fuego, como motor, cambiará el estado de energía de esas piezas artísticas para que viajen en el espacio – tiempo.

___________________________________________________________________________

Durante el periodo de residencia de los artistas Joaquín Wall & Gabriel Gabriel se realizarán una serie de actividades en No Lugar – Plataforma de Arte Contemporáneo – Esperamos contar con su participación.

*TALLER DE FOTOPERFORMANCE.

Imparten: Joaquin Wall & Gabriel Gabriel (artistas residentes en No Lugar) – Eduardo Carrera artista visual e investigador, Francisco Suárez Fotografía e Iluminación de studio – Rubén Darío Díaz – artista visual.
Duración: 12 horas
Inscripción: desde el miércoles 16 de mayo hasta el 02 de junio de 2012. información en: http://nolugar.org/
cel. 083 250 541
cel. 092 808 062

Dirigido a: Profesionales o estudiantes en artes visuales, actuación, fotografía, danza, músicos, diseñadores, publicistas, drags, modelos y todos los interesados en la representación artística a través de la acción, el cuerpo y su puesta en escena.

Este curso busca introducir lenguajes contemporáneos en las artes visuales – en esta oportunidad abordaremos la “FOTOPERFORMANCE” – a través de la discusión de textos y la revisión de artistas se rastrearan las dinámicas expandidas en la performance y su puesta en escena a través de la fotografía. El curso también está destinado como un espacio de producción de obra fundamentada en la “FOTOPERFORMANCE”; los resultados de este proceso se exhibirán en la galería de No Lugar al finalizar el curso.

Pensar la acción para el momento fotográfico, ¿de que se compone la imagen capturada?

Costo: 50$ incluye materiales.
Para depósitos:
Cuenta de ahorros – 5367417000
José Francisco Suárez. Transferencias – 1803850559

Sábado 02 de Junio
09h00 – 13h00
Introducción a la fotoperformance
Textos, artistas.

Miércoles 06 de Junio
18h00 – 20h00
Técnicas Fotográficas, Iluminación, escenografía,

Sábado 09 de Junio
09h00 – 13h00
maquillaje y vestuario – Trabajo colectivo

Miércoles 13 de Junio
18h00 – 20h00
Creación de personajes
Elaboración de propuestas artísticas

Exhibición de las propuestas producidas durante el taller.
Fecha por definir.

This slideshow requires JavaScript.

No Lugar – Plataforma de Arte Contemporáneo invita al Artist Stand de Iván Zambrano.

En la obra titulada Efímero,  dice Zambrano, “intervienen las reflexiones y reacciones ante mis lecturas acerca de la vida, la muerte y la diferencia; utilizando el medio fotográfico análogo y digital.

Durante el periodo de experimentación con los negativos y el revelado he logrado obtener imágenes de una fidelidad en el contraste y las transparencias que los medios tecnológicos no ofrecen.

Las construcciones sociales influencian nuestra mirada, este fenómeno saca a flote tabúes, el miedo a lo que escondemos; estas construcciones se enmarcan en un sistema cuyas prácticas y discursos polarizan al mundo que no nos permite ver o entender la diversidad y los matices existentes en la vida”.

La muestra se va a inaugurar el 16 de mayo de 2012, a las 19h30 en No Lugar, Calle Lugo N24-232 y Guipúzcoa, Barrio de la Floresta.

Los enfrentamientos inútiles de Hilario Tovar

Los enfrentamientos inútiles plantea una contraposición de conceptos y usos, su objetivo no tiene un fin utilitario ni mercantil. La muestra se combina entre dos instalaciones tituladas: “Úlcera” y “El límite muda”.

Úlcera está hecha por estructuras de espuma flex. “La idea es contraponer de una forma lo nuevo con lo pasado. La espuma flex es usada para la mercancía nueva y para la protección de esta, además, son objetos de manufactura industrial. La oposición se da el momento en que uso pigmento de color rojo, ya que éste me hace referencia al individuo biológico que se contrapone al objeto industrializado; otro aspecto interesante que puedo observar es que estas precarias estructuras colapsan el momento en que añado solvente al pigmento; esta acción sugiere una vulnerabilidad que se confronta con la protección, que es el fin de la espuma flex”.

El límite muda, “es una mezcla de más de 25 perfumes con orina de mi persona, me interesa que la forma visual de este trabajo sea cambiante, además la obra se expande por medio del olor; los perfumes en un inicio tienen un aroma muy fuerte que va desapareciendo mientras que con los orines pasa lo contrario, cuanto más tiempo pasa más penetrante es su olor.

La contraposición en esta obra se da cuando un objeto industrializado, en este caso, el perfume, se confronta con un elemento biológico como la orina; el perfume es un olor al igual que los orines, solo que el uno es usado por humanos y el otro por los animales; en ambos casos el olor es entendido como un sello individual”.

Sobre el artista y su trabajo

Hilario Tovar es  Licenciado en Artes Plásticas por el Universitario Bauhaus en Puebla, México.

Su trabajo se enmarca dentro de la contradicción, como estrategia artística, la cual  trata de revelar aspectos del consumo cotidiano que pasan desapercibidos debido a la importancia que se les da a otros aspectos, por ejemplo: el dinero, el mercado o la utilidad de los objetos; “trato de pensar en estos fenómenos, tomando al arte como parte central y dejo los aspectos mencionados al margen”.

_______________________

Texto extraído de la entrevista hecha por Rubén Darío Díaz Chávez a Hilario Tovar.

No Lugar, 8 de mayo de 2012

This slideshow requires JavaScript.

Lo repulsivo, lo incómodo es lo que viene en mente al pensar en úlcera. Acostumbrados por la modernidad a un cuerpo impoluto y a una idealización del mismo, el ejercicio de contemplación propio de la modernidad nos empuja a mirar lo que la publicidad nos vende como realidad.

Úlcera es más que una propuesta de arte es una invitación a la reflexión sobre la modernidad en la cual vivimos, desarma la idea del cuerpo como un ideal estético y lo resume en fluidos corporales, nos devuelve a esa dimensión biológica que nos constituye, fuera de los adornos, Tovar nos incita a través de su propuesta a mirarnos sin etiquetas.

En esa oposición de sentidos, Tovar construye una propuesta que apela a nuestras percepciones, causa estragos cual una úlcera, no se detiene a formular una propuesta que agrade, sin gazmoñería recurre a los fluidos corporales, a olores a imágenes urticantes en esta instalación, todo para sacarnos del letargo en el que nos sume la modernidad y la publicidad, nos recuerda que tan humanos somos.

En esta propuesta seguro no encontraremos la ligereza del arte plástico que se conforma con exhibir imágenes agradables, por el contrario todo se encamina a una crítica descarnada y brutal, un recordatorio necesario de que el cuerpo humano es más que cosméticos, que una cáscara, que es un compuesto biológico en el cual habitamos.

Sobrecogedora, frontal, inquietante; pero totalmente necesaria, así es la obra que presenta Tovar, un trabajo que no busca complacencias, cuestiona por el contrario la calma de la modernidad, es el inminente recordatorio no somos entes anodinos, los sentidos seguro sentirán su vulnerabilidad en esta muestra, pero es eso quizás lo que necesitamos, un shock para despertar
del sueño en un mundo de consumo, una úlcera en un sistema que nos cosifica.

Jaime Cortez P.

El Segundo Aniversario de No Lugar fue un éxito.

Queremos agradecer a los artistas participantes de la muestra en video What If, a nuestro público, Juan Rhon por su vj performance y a Seseribó donde se realizó el after party.

Se vienen cosas buenas.

This slideshow requires JavaScript.

No Lugar se enorgullece en celebrar su 2do aniversario; después de 2 años seguimos ofreciendo una plataforma de Arte Contemporáneo abierta para todos y con muchas ganas de seguir. No Lugar comienza su tercer periodo con la apertura de nuevos formatos en su espacio expositivo y con una muestra en vídeo titulada “WHAT IF…” en la que participan 6 artistas de Ecuador & Colombia.

Prepárense para más historias divertidas, video, música, talleres, fiestas, viajes y, por supuesto, la audiencia más sexy e interesante de la ciudad de Quito.

Para terminar la noche los invitamos al “after party” que se llevará a cabo en el Seseribó (Veintimilla y 12 de Octubre) – donde podremos disfrutar de música tropical – y el set No Lugar – especialmente programado por su aniversario -  esperamos contar con su presencia.

______________________________________________________

 WHAT IF…
(Muestra en vídeo)

¿Qué pasa sí…? – fue la primera pregunta que nos hicimos antes de abrir No Lugar. Hace dos años iniciamos la gestión de una plataforma de arte contemporáneo sin saber donde nos dirigíamos (…) el trabajo en red ha sido una respuesta: Basta con dominar las herramientas de la web 2.0 tales como el correo electrónico, skype, facebook, twitter, vimeo para participar correctamente en procesos de cooperación y gestión cultural – “WHAT IF…” es una muestra en formato audiovisual que cuestiona desde su lenguaje de producción la intención de los medios de comunicación en  construir realidades compuestas a su antojo – la red descompone esas realidades. 

Para el segundo aniversario de No Lugar, presentamos una selección de 6 artistas originarios de Ecuador & Colombia.
Participan: Diana Boada, Boloh, Saskia Calderón, Camila Rodríguez, Oswaldo Terreros y Carlos Vargas.

 ______________________________________________________

“A GRAN ESCALA” & “FOLDER” abren posibilidades de producción e investigación in/situ para generar un espacio de encuentro entre gestores, artistas, curadores y críticos donde se discutan y se gestionen plataformas de producción y debate para los agentes culturales involucrados con No Lugar. 

El área de investigación y producción cuenta con conexión wiffi, acceso al archivo FOLDER lleno de catálogos y fotocopias de No Lugar, asesoría en gestión cultural, curaduría, museografía e investigación, un área de producción artística: pintura, dibujo, estudio fotográfico, etc. Además de un lugar de encuentro y de intercambio de experiencias con artistas locales e internacionales que participen en la residencia de No Lugar.

Esperamos contar con su amable presencia.

NO-LUGAR PLATAFORMA DE ARTE CONTEMPORÁNEO.
www.nolugar.org.
no.lugar.galeria@gmail.com
083 250 541
092808062
084677109

This slideshow requires JavaScript.

En Rutilacinancia, el artista ecuatoriano Gabriel Arroyo traslada el brillo lacerante provocado por la modernidad como una decadencia que opaca el espiritu del ser humano. Arroyo en esta muestra evidencia la inercia establecida por la comodidad del sistema; inercia que con el pasar del tiempo nos ha enceguecido y separado de lo que en realidad debemos hacer.

“Copito de Nieve» no abandona nunca la cubierta. ¿Qué será ese objeto para él? ¿Un
juguete? ¿Un fetiche? ¿Un talismán?…………..su necesidad de una cosa que apretar
mientras todo se le escapa, una cosa con que aplacar la angustia del aislamiento……
Para «Copito de Nieve» en cambio el contacto con el neumático parece ser algo
afectivo, algo posesivo y en cierto modo simbólico. Desde allí se le puede abrir una
rendija hacia lo que es para el hombre la búsqueda de un camino de salida de la
zozobra de vivir.”

Ítalo Calvino, Palomar, El gorila albino

Rutilacinancia es un espacio de hacinación simbólica, que confronta ,como simiente de un sistema opresor, a la modernidad a partir del modernismo como su ideología, y de algunos de los eficientes medios objetuales e ideológicos por medio de los cuales se perpetúa esta modernización (y pos modernización), nivel tecno tecnológico de usanza del sistema para la producción y reproducción de nuevos mitos, paradigmas y prácticas de dominio.

La muestra se concibe como un hibrido de significados que dan cuenta de la inercia y del rutilar que no se apaga, se mantiene despierto, que es útil para continuar día a día lancinante al pie y firmes en el encierro. Es el punzante ritmo que no abandona su eje antropo y autocéntrico, continua mordiendo los dientes, moviendo imparable la maquinaria; haciéndose tilante, y en ese sentir, permeable el influjo de esta inercia hacia lo instintivo.

El trabajo busca evidenciar la -inalterable- unidireccionalidad y los mecanismos y medios concesionados y utilizados socialmente para que esta dirección se proyecte y continúe el “itinerario programado”, a pesar de la incómoda discordancia o lamentación, la cómoda auto aflicción, comodidad hacia uno mismo y el cómodo autocontrol usado cómodamente por el sistema.

Rutilacinancia es el brillo lacero, que hiere y no deja de amanecer, que forma parte del programa de provecho, eficacia e interés que causa tanta comodidad; donde habita la insatisfacción decantada en el ansia y la rutina; y no deja de amanecer.

En esta muestra se reúnen sobre todo instalaciones junto con objetos, videos y pinturas; provocando una especie de inductancia o contraflujo frente a la irrebatible unidireccionalidad de la “Realidad Real”.

Gabriel Arroyo.

TILANTE.- (Estirado en su grado máximo de tensión y a punto de romperse…dicho de una persona muerta)

¿Cuándo el tiempo, al abandonar su huida, permitirá que
ese fluir descanse? Formas, formas divinas y perennes
que sólo esperan el descanso para reaparecer, ¡oh!
¿Cuándo, en qué noche, en qué silencio os cristalizareis de nuevo?

Heinrich Von Offterdingen – La rosa azul.

Pocas cosas se saben de la vida con tanta certeza, como que la muerte es un hecho absoluto que transforma definitivamente la naturaleza del ser.

La obra “Memoria” conformada por fotograbados que fueron producidos a partir de imágenes del álbum familiar de Daniela; es una instalación que sugiere un acercamiento al olvido: una secuencia de imágenes que representan la fragilidad de la memoria – o como los recuerdos se desvanecen, y dejan asomar los procesos en que la memoria y el olvido se posan sutilmente sobre nosotros.

Ortiz clasifica, manipula, vacía, entinta e imprime fotografías del álbum familiar y posteriormente al volverlas fotograbado, iluminarlas y exponerlas evidencia la búsqueda sobre esa presencia ausente, creando un vínculo con la mortalidad de su padre, permitiendo entrever un proceso de duelo. Cómo diría Susan Sontag en su libro Sobre la Fotografía: “Todas las fotografías son Memento Mori. Tomar una fotografía es participar de la mortalidad, vulnerabilidad, mutabilidad de otra persona o cosa. Precisamente porque seccionan un momento y lo congelan, todas la fotografías atestiguan el paso despiadado del tiempo”.

La segunda pieza que conforma esta muestra se adapta al visitante: una sala de “estar” habitada no solo por el espectador – las improntas de sus muebles, alfombra y lámpara están diseñados a través de imágenes de los objetos personales del padre fallecido de la artista que nos invitan a lo intimo – a la reconstrucción de una presencia ya ausente en un espacio determinado – una evocación estética que configura “el lugar de la presencia”.

Ortiz habla de la memoria como ingrediente que se sume en contradicciones sobre sí cuando de la muerte se trata; es así como la ausencia, y la presencia, el olvido y una nostálgica manera de entender el paso de su historia, nos lleva de la mano a ver cómo el ser (su padre) permanece en sus recuerdos a través de un lazo de unión que construye otra forma de relacionarse con él.

El trabajo de Ortiz nos recuerda con cada detalle que somos seres frágiles; desnudando su recuerdo en búsqueda de pequeñas memorias que la aíslen de la sagacidad del olvido. Por tanto su lenguaje plástico refleja esta necesidad, ligando estrechamente la figura de la fragilidad humana y la pérdida de los seres queridos. De esta forma la artista busca intencionalmente la estética de la huella, del rastro, que entran a formar parte de la memoria tomando posesión de la ausencia.

La muestra está acompañada de un texto, palabras que seducen al lector y develan al que escribe mientras invocan a la presencia sobre la que reflexionan.

*notas desde No Lugar – Plataforma de Arte Contemporáneo
Quito, 04 de abril de 2012.

This slideshow requires JavaScript.